Главная
страница 1


Серия: «Прогулка по Брестскому художественному музею»

Музейное занятие:

«Декоративное искусство»

Пыско Стэлла Борисовна (Республика Беларусь, г. Брест)


Исторически сложились устойчивые формы существования и развития искусства - архитектура, декоративно-прикладное искусство, живопись, скульптура, графика, художественная фотография, литература, музыка, хореография, театр, кино, телевидение, искусство эстрады, цирк, которые и получили название видов искусства. Этим видам искусства соответствуют определенные разновидности художественной деятельности.

В декоративно-прикладном искусстве художественный образ возникает на основе создания полезных вещей.

С древнейших времен свойственно человеку стремление к красоте в окружающем его предметном мире. С этой целью на простые ткани наносили вышитые узоры, керамику украшали орнаментом и изображениями, металлические изделия покрывали чеканкой и насечкой. Узор, украшение как бы «прикладывались» к предмету, и он становился красивее, богаче, наряднее. Предмет сохранял свою утилитарную1 первооснову, свою полезность, но им можно было теперь и просто любоваться. И ценился такой предмет уже не только за то, что был просто полезен, но и за свой узор, за мастерство украшения, благородство материала и точность работы. Позднее, в XIX веке эту область художественного освоения предметного мира определили как «прикладное искусство». На развитии прикладного искусства сказались условия жизни, быта каждого народа, природные и климатические условия его обитания. Поэтому изделия прикладного искусства, будучи в основе своей утилитарными, включают в себя, однако, и элементы духовной культуры, национальной традиции. Художник, работая над ними, думает не только об их удобстве и соответствии своей функции, но и над тем, чтобы они были красивы, доставляли тому, кто ими пользуется, эстетическое удовольствие. Красота и польза в них уравновешены и дополняют друг друга.

Зародившееся еще при родовом строе желание украшать себя ожерельями, браслетами, кольцами, подвесками, серьгами и т.д. получило новый толчок в эпоху рабовладения.

Позднее появились и предметы украшения одежды, а затем и украшения жилища, например, ковры, на которых уже не сидели и не возлежали, а вешали на стену для красоты, или напольные вазы не для цветов и не для воды или вина, а для украшения парадных залов. Здесь уже на первом месте стояла красота.

(Показать в репродукциях интерьеры средневековых замков).

Подобные вещи еще сохраняли свою прежнюю целесообразную форму, но их смысл и ценность были именно в красоте. Их «польза» была только в том, что они красивы. Это искусство уже значительно позднее, в XVIII – XIX вв. назвали декоративным2. Изделия декоративного искусства существуют только для украшения помещения, одежды или человека. В декоративных изделиях художник проявляет, прежде всего, свой индивидуальный вкус. Самое важное в произведениях декоративного искусства – общая художественная выразительность, красота вещи в целом.

Прикладное и декоративное искусство во многих случаях дополняют друг друга. В этом смысле говорят о декоративно-прикладном искусстве. Изделия декоративно-прикладного творчества создаются как авторские вещи и продаются в специальных художественных салонах. В основном, именно из индивидуальных декоративных произведений формируются и выставочные экспозиции этого вида искусства, ими пополняются и музейные фонды.

Декоративное искусство – один из видов пластических искусств. Декоративное искусство разделяется на непосредственно связанное с архитектурой монументально-декоративное искусство (витражи, мозаики, росписи на фасадах и в интерьерах, декоративная садово-парковая скульптура и т.д.), декоративно-прикладное искусство (бытовые художественные изделия) и оформительское искусство.

Термин «декоративное искусство» широк по охвату входящих в него понятий. Декоративное искусство во многом связано с художественной промышленностью и дизайном3. Оно вместе с архитектурой и дизайном формирует окружающую человека материальную предметно-пространственную среду, внося в нее эстетическое, образное начало. Произведения декоративного искусства всегда соотносится со средой, для которой они предназначаются, и обычно составляют ансамбль.

Декоративно-прикладное искусство – область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в быту и отличающихся декоративной образностью (посуда, мебель, ткани, одежда, украшения, игрушки и т.д.) Все предметы, окружающие человека, должны быть не только удобны, практичны, но и красивы. Предмет должен быть выразителен целиком – в своей конструкции, пропорциях, деталях, а также в отделке. Расписать узорами кувшин, украсить резьбой разделочную доску, связать кружевную салфетку, выткать узоры на ткани – все это требует большого мастерства. Вероятно, такие украшенные орнаментами изделия относят к декоративно-прикладному искусству еще и потому, что необходимо руки приложить, чтобы получилась эта удивительная красота. Польза и красота всегда рядом, когда берутся за дело художники и из самых различных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня, ткани) создают предметы быта, которые являются произведениями искусства. Однако декоративные произведения демонстрируют не только эстетический вкус и фантазию художника. В них, как и в произведениях других видов искусства, отражаются материальные и духовные интересы людей. И хотя сегодня изделия прикладного искусства выпускаются художественной промышленностью, они в значительной мере сохраняют национальные особенности. Все это позволяет говорить о том, что в декоративном искусстве определенной исторической эпохи ярко выражены черты стилевого единства (романтический стиль, готика, классика и др.)

Еще одна область декоративно-прикладного искусства связана с украшением самого человека – с созданием художественно выполненного костюма, составляющего ансамбль вместе с головным убором, обувью и ювелирными изделиями. Но в последнее время эту область все чаще относят к дизайну. Включение в повседневную жизнь людей декоративного искусства, наряду с дизайном и архитектурой, эстетически ее обогащает, является источником эстетического воспитания.

***

Искусство батика зародилось в Индонезии. В дословном переводе с яванского «батик» - это рисование горячим воском. Для него использовались, как правило, хлопковые ткани. Именно на Яве искусство батика достигло высочайшего технологического уровня и изысканности. Рисунки были разнообразны: геометрический, раститель­ный орнамент, мифологические сюжеты на темы Махабхараты, Рамаяны, преданий Индонезии, Бирмы, Суматры, изображения фантастических птиц и богов Востока. Ин­донезийский классический батик малоцветен, сама техника ограничивала его палит­ру, цвет перекрывался при окраске не более десяти раз. В колорите присутствова­ли цвета слоновой кости, все оттенки ко­ричневого и наиболее яркая краска — инди­го. Рецепты изготовления синей краски, как и сами рисунки, были величайшей тайной каждой семьи мастеров. Рисунки опреде­ляли также и кастовую принадлежность: никто не имел права повторить царские и королевские орнаменты.



Многоступенчатый путь подготовки ткани для батика — вымачивание, отбеливание, кипячение. Сам процесс, состоящий из следующих одна за другой операций: покрытие горячим воском — крашение — сушка, повторяющийся для каждого цвета, отличался сложностью и длительностью, тре6овал мастерства и терпения. На создание од­ного произведения уходили долгие месяцы, а иногда и годы.

В приданом каждой девушки были обя­зательны вещи, выполненные в технике батика — одежда, красочная материя для обрядов и церемоний, занавеси и разно­образные настенные панно с бытовыми и мифологическими сюжетами, изображе­ниями покровителей дома.

В начале XVII века в Индонезию вслед за португальцами попадают голландцы. Имен­но они открыли батик для Европы. Просве­щённые и свободные голландцы не могли не заметить, что настенные панно индоне­зийцев поразительно напоминают фрески в храмах и деревянные иконы славянских народов: фигуры изображены силуэтно, образы символичны и условны, а наличие характерных «трещинок» от воска ещё бо­лее подчёркивало это сходство. Знакомст­во с батиком сыграло немалую роль в раз­витии текстильного производства в Европе. Европейцы будучи людьми менее терпели­выми, впоследствии модернизировали ба­тик, создали электрические батик-штифты-приборы, позволяющие поддерживать воск в расплавленном состоянии.

В 1801 году Жозеф Мари Жаккар4 создал первый автоматический станок, позволя­ющий осуществлять определённую ткац­кую программу с использованием перфо­карт, вырабатывающий ткань с рисунком, созданным художником. Появляются раз­нообразные химические красители. На­стоящий батик с его сложной технологией постепенно забывается.

Однако на рубеже ХIХ-ХХ веков всеобщий интерес к росписи по ткани получил новое разви­тие. Благодаря всемирным выставкам, европейцы открывают для себя японское искусство. Мане, Дега, Тулуз-Лотрек, Ван Гог черпают в нём новые, необычные идеи. В творчестве Поля Гогена чувствуется влияние яванского, японского, полине­зийского искусства.

В украшении японского интерьера очень широко использовались ширмы с росписью по ткани. Они украшались живописью, кал­лиграфией и стихами. Живописные приёмы, техника, сами материалы (тушь, шёлк) весь­ма близки к китайской каллиграфии. Техни­ка росписи требовала большого умения, шёлк предварительно обрабатывался специ­альными составами, рисовым крахмалом квасцами, и на нём писали, как на бумаге, полусухой кистью. Готовое произведение со­здавало ощущение роскоши в традиционно лаконичном японском интерьере.

На рубеже ХIХ-ХХ веков европейцев обуяла жажда экзотики. Привозные эстам­пы, лаки, керамика, разные безделушки порождают «японизм», способствовавший рождению нового стиля - модерн. Ширмы, абажуры, гардины, панно и даже люстры в восточном стиле наполняют обыденную жизнь людей произведениями искусства.

В наши дни по-прежнему ценится руч­ная роспись. Многие художники создают свои произведения, сочетая традиции яванского батика и японско-китайской росписи по шёлку. На смену воску прихо­дит гутта, резерв на основе каучука и бензина, а упрощённая техника и появление акриловых красок делает роспись по ткани доступной всем желающим создать что-то своё, ори­гинальное, отвечающее собственным представ­лениям о красоте.

В экспозиции художественного музея вашему вниманию предлагается работа художницы Нины Николаевны Богдан в технике батик, выполненная не в традиционной манере. Авторская манера исполнения Нины Богдан отличается техникой свободной росписи.

Способ свободной росписи, которая произ­водится без применения резервирующего состава, существенным образом отличается от контурного и узелкового, как методом ра­боты, так и внешним видом готового изде­лия. Эта техника близка к акварельной живо­писи. Здесь возможны мягкие, живописные переходы тона без резких очертаний формы. Роспись выявляет своеобразие авторского почерка и придаёт изделиям индивидуаль­ность, свойственную ручному труду.

Ткань натягивают на раму. Подбирается гамма цветов в соответствии с задуманным обра­зом. Обрабатывается ткань красками в произ­вольной живописной манере, используя не конкретный изобразительный мотив, а ка­кой-либо ассоциативный образ: осенний, зимний, весенний пейзаж, раннее утро, су­мерки, туман и т. п. В соответствии с замыс­лом подбирается и гамма цветов. Рисунок наносят на ткань свободными маз­ками и только окончательная отделка иногда производится с помощью холодного резер­вирующего состава.

Батик Светланы Викторовны Вяль «Лилии» выполнен в классических традициях с помощью красок и резервов (контуров, необходимых для того, чтобы предотвратить растекание краски).

***

Ручное ткачество – это яркая и увлекательная страница в традиционной культуре белорусского народа. Тесно связанное с удовлетворением насущных потребностей крестьянина – изготовление одежды, оформление жилища – оно поднялось до уровня художественного явления. Сегодня вытканные народными мастерицами полотенца, скатерти, постилки, юбки, сорочки, пояса украшают залы музеев, демонстрируя зрителям безупречный художественный вкус. Свое значение ручное ткачество сохранило в Белоруссии до начала ХХ века. До этого времени потребности большей части населения в тканях удовлетворялись за счет тканей, производившихся в домашних условиях. Ткачество занимало в жизни крестьянина большое место. Процесс изготовления ткани по времени растягивался почти на год и охватывал различные сферы хозяйственной деятельности крестьянина. Чтобы иметь необходимое для ткачества сырье, держали овец, выращивали лен. Все процессы предварительной обработки шерсти и льна осуществлялись в самих крестьянских хозяйствах.



Особенно много времени приходилось уделять льну. Весной его сеяли, летом по необходимости пропалывали, осенью созревший лен рвали, обмолачивали, мочили, сушили, мяли, терли, трепали, чесали. Лишь к началу зимы было готово сырье для изготовления нитей. И, наконец, в начале весны вносили в хату ткацкий станок. Из-под умелых рук возникала серебристая лента льняного полотна с замысловатыми узорами.

Ткачество было занятием женским. Мужчины разве только станок мастерили, да и то без женского совета дело не обходилось. А уж все тайны - как заправить узор, да на сколько нитей, да как, «па панажах хадзiць», передавались исключительно от матери к дочерям. Приучали к ткачеству с малолетства. Семи-, восьмилетние девочки уже умели выполнять разные нехитрые поручения: наматывали нити на шпульки – «цэўкi» или на мотовило, наблюдая за клубками во время снования, чтобы они не раскатывались, выплетали тесемочки. В этом же возрасте девочек уже начинали учить прясть, ткать пояски. Годам к 14-15 девочки обычно уже владели основными известными их матерям приемами изготовления тканей. Умение ткать считалось одним из достоинств будущей невесты. В многочисленных свадебных песнях жених чаще всего застает невесту за тканьем. Ответственным этапом в процессе подготовки к тканью была установка и отладка ткацкого станка. Обычно он хранился в разобранном виде в сарае.

В конце XIX – начале ХХ вв. в Белоруссии при изготовлении тканей применяли браное, выборное, закладное, ажурное, ремизное, переборное ткачество. Многообразие технических приемов находило отражение в орнаментальном и композиционном оформлении тканей.

Много внимания уделяли ткачихи изготовлению тканей для одежды. Кроме безузорного полотна ткали украшенные орнаментом заготовки для рукавов, воротников и манжет сорочек, узорчатые передники и юбки. Сегодня мы такие ткани называем купонными. Ткани с раппортными5 узорами предназначались в основном для юбок (клетка, полоска). Важное место среди тканей ручного изготовления занимали полотенца, скатерти, постилки. По месту создания рушники делились на мотольские и неглюбские, будо-кошелевские, чечерские, дубровенские, витебские и т.д.

В конце XIX века в Белоруссии производство тканей в домашних условиях резко сократилось.

В художественном музее вас познакомят с основными техниками ткачества. Наглядно вы увидите белорусские национальные костюмы различных строев:



  • Кобринский строй (полный народный костюм);

  • костюм Пинско-Ивацевичского строя (как один из его вариантов – мотольский костюм);

  • костюм Домачевского строя;

  • костюм Малоритского строя;

  • костюм Волковыско-Каменецкого строя.

Головные уборы:



  • девушек – венки, узкие рушники («скiндочка»);

  • замужних женщин – чепцы, капоры;

  • намитку (платок), которую завивали первый раз на свадьбе, и которая являлась обязательным головным убором замужней белорусской женщины.

В коллекции музея представлены рушники Ивановского, Ивацевичского, Ляховичского и Лунинецкого районов.

Ивановский район естественно представляет работы лучших мотольских ткачих – Ольги Трофимовны Лукашевич и Анны Викторовны Шиколай. Основываясь на старинных народных традициях, они создают яркие и нарядные изделия.

Вы знаете, что на Беларуси большое распространение получили тканые покрывала (постилки) и домотканые ковры («дываны»). Надежда Анатольевна Грицук, потомственная ткачиха, открыла в деревне Подбеле Каменецкого района специальный класс, где обучает ткачеству «падвойных дываноў» (двухосновных ковров).

Изучая изделия народных мастеров, вы, естественно, обратите внимание на орнаментальные знаки на тканях. Белорусские мастерицы в ткачестве воспроизводят узоры вышивки. Каждый символ и знак имеет свое значение в народном орнаменте.

Светлана Иосифовна Гуляева, научный сотрудник художественного музея, подробно изучавшая народное творчество белорусских мастеров, рассказывает на экспозиции об орнаментальных знаках: «Голубь – символ любви и дружбы; крест и крестообразные фигуры связываются с солнцем и огнем; узор «венок» пришел из «Купальской ночи», когда девушки бросали в воду венки, гадая на суженого. Естественно, темы узоров подсказывает белорусский фольклор. В некоторых изображениях читается даже стиль народного костюма».

***


Наряду с классическими видами ткачества белорусские художники освоили искусство гобеленов или шпалер, как их называли изначально.

ШПАЛЕРЫ (нем. Spalier, от итал. spalliera — ряд деревьев),— безворсовые настенные ковры с сюжетными и орнаментальными композициями. Выполнялись они в очень сложной и трудо­емкой технике ручного ткачества на станках двух типов. Если основа вертикально натяги­валась на валы, шпалеры назывались «готлис» (в переводе с французского — «высокая осно­ва»). Другой вид шпалер — баслис («низкая основа») — ткали на горизонтальных станах.

Основой служила неокрашенная, крученная в несколько нитей шерсть или лен. Изображе­ние передавалось переплетением нитей основы с нитями утка. Это могла быть шерсть различ­ных оттенков, шелк, иногда металлическая зо­лотая или серебряная нить.

Моделью для исполнения шпалеры служил картон — специальный эскиз ковра в красках, в натуральную величину. Картоны для шпалер создавали многие известные художники. Так, например, Рафаэль писал картоны к ватикан­ской серии шпалер «Деяния Апостолов». Ма­стер ткал с изнаночной стороны. На вертикаль­ных станах с лицевой стороны помещалось подвижное зеркало, в которое ткач мог видеть часть исполняемой шпалеры. Модель распола­галась сбоку или за спиной ткача. При работе в технике баслис эскиз шпалеры в красках помещали под нитями основы, и, раздвигая их, можно было корректировать работу. Иску­сный мастер в год исполнял около одного квадратного метра ковра. Эта работа требова­ла от ткача высокого мастерства, чувства цвета, знания рисунка и большого художе­ственного вкуса.

Шпалеры в Западной Европе начали ткать в XII—XIII вв. Они широко применялись в убранстве жилых и парадных помещений. Шерстяной ковер-картина скрывал холодную гладкую поверхность каменных стен. Около 1381 г. в Париже были вытканы 7 огромных шпалер, включавших 105 сюжетов. Мастера XV—XVI вв. оставили нам прекрасные ковры типа «мильфлёр» (тысяча цветов) с фоном, сплошь затканным кустиками цветов.

В середине XVII в. шпалерные мануфактуры существуют уже во многих странах: в Италии, Германии, Испании, Фландрии, но особо ценятся работы ткачей Франции, где выделяется Королевская мануфактура гобеленов в Пари­же, названная по имени известных еще с XV в. красильщиков и ткачей Гобеленов. Здесь созда­ются замечательные образцы шпалерного искусства. В XVIII в. гобеленами стали назы­вать шпалеры других европейских мануфактур, подражавших французской, в XIX в. — вообще все шпалеры.


ГОБЕЛЕН (франц. gobelin), вытканный вручную ковер-картина.

Первая мануфактура гобеленов, появившихся еще в средние века, была основана в 1662 году, после того как Людовик XIV распорядился приобрести в парижском предместье Сен-Марсель несколько мастерских знаменитой семьи красильщиков Гобеленов. Золотой век Королевской мануфактуры гобеленов – это 1662-1683 гг. – период, когда ей управлял «первый живописец короля» Шарль Лебрен6. Гобелены выполнялись по его картонам.

Гобелены выполнялись цветными шерстяными и шелковыми нитями (иногда золотыми и серебряными) по рисункам (картонам). В 18 веке картоны выполнялись Ф. Буше7, Ж.Б. Удри8.

Гобелены ткались на особых ручных станках методом выборочного ткачества, т.е. по частям. Отдельные участки сшивались тонким шелком. Характерной особенностью гобелена является рубчатая поверхность лицевой стороны и неровная поверхность изнанки. Гобелены служили основным фоном для сложного и торжественного ансамбля барокко. Для них характерны исторические, мифологические, религиозные и литературные сюжеты. Выполнялись они и по особым случаям в жизни королевской семьи.

Гобелены были настолько популярны, что ими стали называть в 19 веке шпалеры и даже машинное обивочное полотно плотного плетения. Искусство гобеленов, пережив в 19 веке спад, вновь возродилось в первой половине 20 века. Массовые гобелены хорошего ткачества изготовлялись в мастерских Обюссона. Для гобеленов берутся более толстые нити и резко сокращают количество цветов (ранее их было несколько тысяч, теперь же меньше сотни). Картоны для гобеленов создавали А. Матисс9, Ф. Леже10, Ле Корбюзье11 и др.

С 1960-х годов при изготовлении гобеленов вводятся аппликации, коллаж, ажурное плетение. Обнажается основа ткани, используются декоративные эффекты от рельефных переплетений. Помимо традиционных материалов, используются синтетические, кожа, шнур.

В настоящее время гобеленами практиче­ски называют все гладкотканые, ворсовые и даже войлочные сюжетные и бессюжетные ковры ручной работы, а также машинные без­ворсовые мебельные и декоративные ткани крупноузорного переплетения, изготовленные на жаккардовых механических станках. Отли­чие их от орнаментальных ворсовых машинных и ручных ковров стало чисто условным, по­скольку в ковроделии используются наряду с отвлеченными орнаментальными мотивами декоративные изображения цветов, птиц, бабо­чек, сюжетные композиции и портреты.

Сегодня прекра­сными работами славятся мастера Прибалтики, Грузии, Москвы, других стран и городов. Наряду с шерстяными нитями в гобелены вво­дят пеньку, морскую траву, искусственные волокна, нити расплетенных морских канатов. Кроме плоских гобеленов для украшения стен появились объемные, представляющие собой тканые конструкции. Они прикрепляются к по­толку и подчас композиционно связываются со светильниками и люстрами или же служат пространственными ширмами, которые делят помещение на отдельные незамкнутые части. Такие гобелены, так же как и бессюжетные крупноворсовые, используются в обществен­ных интерьерах и особенно распространены в Прибалтике. Московские мастера, наоборот, ткут сюжетные безворсовые плоские гобелены. Грузинские гобелены носят ярко выраженный национальный характер, воспроизводя фольклорные, литературные и исторические сюжеты.

Брестские мастера в этой области искусства применяют смешанные техники исполнения, экспериментируют с фактурой.

В художественном музее представлена работа Гурщенковой Антонины Федоровны. Гобелен «Пробуждение весны» выполнен в традициях белорусского ткачества, в технике гладкого ткачества.



Светлана Викторовна Вяль представила в экспозиции 2 гобелена: «Зiмовы ранак» и «Древо жизни». Ее работы отличает превосходное чувство колорита, цветовой гаммы, что так необходимо в декоративно-прикладном творчестве.

«Портрет Адама Мицкевича» исполнен в технике гобелена в традициях белорусского ткачества. Его представил художник Свистунович Семен Степанович.

Работы Дианы Николаевны Выморковой отличаются экспериментами в технике исполнения. Она добивается рельефности изображения за счет дополнительно введенных нитей (сезали, люрекса). Ее гобелен отличает ярко выраженный декоративный, интерьерный характер. Она создала серии образцов в гобеленах: «Виды Таллинна», «Полевые цветы», «Двое», «Белорусская природа», «Белорусский натюрморт», «Старинные замки» и т.д.

***


В современном искусстве мастера начали уделять большое внимание декоративной скульптуре малых форм, серьезным стимулом которой явилось возросшее внимание к эстетике быта. Скульптура малых форм стала ведущей в народной деревянной пластике и определила ее характер и своеобразие.

Большинство белорусских резчиков – выходцы из деревни; поэтому и темы своих работ они черпают из близкой им, хорошо знакомой сельской жизни, как это делали скульпторы прошлых лет.

Скульптура малых форм, мелкая пластика – это небольшие фигурки: статуэтки или композиции жанрово-бытового содержания, настольные портретные бюсты, изображения животных и сувенирные модели памятников. К малым формам относятся не только произведения круглой скульптуры, но и рельефы: памятные медали, декоративные медальоны, глиптика (искусство резьбы по драгоценным и полудрагоценным камням, слоновой кости, стеклу, применяемое для изготовления печатей и украшений).

Мелкая пластика включает в себя очень разнообразный круг произведений. Они могут быть изготовлены ручным или художественно-промышленным способом из самых различных материалов – фарфора, фаянса, стекла, кости, камня, пластмассы, металла и др. Скульптуру малых форм порой трудно бывает отделить от игрушек. Произведения народных мастеров, созданные для забавы детей (небольшие фигурки людей, зверей, птиц, фантастических животных, бытовые сценки), обычно передают мягкий юмор, радость и светлое отношение к действительности.

Как правило, малые размеры скульптуры обусловливают близкое рассмотрение и специфику ее изобразительного языка: яркую образность, тщательную проработку деталей, декоративное использование цвета.

Произведения этого вида искусства предназначены для украшения быта. Они могут уютно располагаться на письменном столе, книжных полках, подоконниках, среди других предметов домашней обстановки и также быть экспонатами выставочных залов.

В экспозиции художественного музея представлены работы Сергея Николаевича Сурикова, уроженца Полоцка; с 1953 года он живет и работает в Бресте. Привлекает внимание его коллекция деревянных миниатюр, выполненная мастером с ювелирной точностью. Сам он их по задумке исполнения называет «белорусскими нэцке12».

В деревне Стойлы живет и работает мастер, резчик по дереву Николай Васильевич Тарасюк. Он участник многочисленных народных праздников, фестивалей, областных, республиканских и международных выставок. В своих работах он воссоздает образы белорусского крестьянского быта: «Крестьянские напевы», «Крестьянский двор», «Мельница» и т.д. В экспозиции представлены изготовленные им музыкальные инструменты из лозы и дерева. В 2001 году мастер был удостоен специальной премии Президента Республики Беларусь.



Яков Иванович Шевчук из г. Береза – столяр по профессии – изготавливает деревянные музыкальные инструменты. В экспозиции представлены его гребешки, колокольчики, трещотка, ложки, флейта, зубчатая коробочка, скрипка.

В музее также представлены работы мастера из Давид-Городка Столинского района Константина Кондратьевича Козёлко. Это композиции на тему: «Всадники со знаменем», «Партизанка», «Возвращение с Куликовской битвы».

Деревянная скульптура Белоруссии – явление самобытное. В художественном музее представлены работы народного мастера, скульптора-резчика по дереву Ивана Филипповича Супрунчика. Художник хорошо знает и чтит культуру родного края. Его произведения олицетворяют любимые образы белорусских литературных персонажей: «Сымон-музыка», «Алеся», «Я – мужик белорус», «Набат». В 2000 г. Супрунчик был удостоен специальной премии Президента РБ. В художественном музее представлены его скульптуры, посвященные Ефросиньи Полоцкой, просветительская деятельность которой оставила след не только в истории, но и в душе белорусского народа.

В деревне Теребличи Столинского района Иван Филиппович создал при библиотеке этнографический музей, которому в 2001 году было присвоено звание «Народный».

Научные сотрудники музея рассказывают об Афанасии Филиповиче, которому Супрунчик также посвятил свою работу: «Афанасий Филипович был политическим и церковным деятелем, автором философских трактатов, выступал против Брестской унии13 1596 года. Был расстрелян возле деревни Гершоны. Причислен к лику святых, как неистовый борец за православную веру».

Скульптура памяти Филиповича изготовлена из очень крепкого материала – черного мореного дуба.

Парящим над землей изображен мастером великий поэт Адам Мицкевич.

***


Раздел «Керамика» отражен в музейном занятии «Исторические формы гончарных промыслов»

1 УТИЛИТАРНЫЙ, сообразующийся исключительно с практической выгодой или пользой, практичный, прикладной (утилитарный подход к делу).

2 ДЕКОР (от лат. decoro — украшаю), система украшения сооружения (фасада, интерьера) или изделия.


3 ДИЗАЙН (от англ. design — замысел, проект, чертеж, рисунок), термин, обозначающий различные виды проектировочной деятельности, имеющей целью формирование эстетических и функциональных качеств предметной среды. В узком смысле дизайн — художественное конструирование.


4 ЖАККАР (Jacquard) Жозеф Мари (1752-1834), французский изобретатель. Создал (1804-08) приспособление для выработки крупноузорчатых тканей (машина Жаккарда).


5 РАППОРТ (франц. rapport, от rapporter — приносить обратно), повторяющаяся часть (мотив) рисунка (узора) на ткани, трикотаже, вышивке, обоях и пр.


6 ЛЕБРЕН (Le Brun) Шарль (1619-90), французский придворный живописец. Известен главным образом как автор парадных портретов.

7 БУШЕ (Boucher) Франсуа (29 сентября 1703, Париж — 30 мая 1770, там же), французский живописец, законодатель всех видов искусства Франции начала 18 века. Представитель рококо, мастер большого декоративного дара, работавший в живописи, рисунке, книжной иллюстрации, театральной декорации, для мануфактур гобеленов в Бове и фарфоровой Севрской мануфактуры.

8 УДРИ (Oudry) Жан Батист (1686-1755), французский живописец. В натюрмортах, охотничьих сценах, анималистических изображениях сочетал точность наблюдений с декоративностью.

9 МАТИСС (Matisse) Анри (1869-1954), французский живописец, график, мастер декоративного искусства. Выразил праздничную красочность мира в ясных по композиции, выразительных и чистых по цвету картинах, утверждающих красоту и радость бытия («Танец», 1910; «Красные рыбки», 1911), в витражах, гравюрах, литографиях.

10 ЛЕЖЕ (Leger) Фернан (1881-1955), французский живописец и график. Геометризованные, уподобленные машинным формам изображения современного мира, картины, посвященные труду индустриальных и строительных рабочих («Строители», 1951), монументальные декоративные композиции (оформление музея Леже в Бьо по эскизам Леже, 1956-60).

11 ЛЕ КОРБЮЗЬЕ (Le Corbusier) (наст. фам. Жаннере, Jeanneret) Шарль Эдуар (1887-1965), французский архитектор и теоретик архитектуры.

12 НЭЦКЭ, распространенные в японском искусстве кон. 17-19 вв. произведения миниатюрной пластики из дерева, слоновой кости или металла. С помощью нэцкэ (обычно фигурка со сквозным отверстием) к поясу кимоно прикреплялись трубка, кисет и т. д.


13 БРЕСТСКАЯ УНИЯ 1596 года, объединение православной церкви на территории Речи Посполитой с католической церковью.

Уния была принята на церковном соборе в Бресте. Согласно условиям унии православная церковь Украины и Белоруссии признавала своим главой римского папу, но сохраняла богослужение на славянском языке и православную обрядность. Заключение Брестской унии вызвало протест у низших слоев населения Украины и Белоруссии, и патриотически настроенной части шляхты (князь К. К. Острожский). Официально расторгнута на церковном соборе 1946 года во Львове.





Смотрите также:
Занятие: «Декоративное искусство»
202.26kb.
1 стр.
Методические указания к альбому «Декоративное рисование в детском саду»
160.81kb.
1 стр.
Занятие для детей младшей группы №1по разделам программы «Изобразительное искусство»
52.02kb.
1 стр.
«Декоративное искусство» именно так с французского переводится название стиля art déco
13.88kb.
1 стр.
Технология урок по теме: "Современное декоративное искусство. Витражи" Тема работы: Составление витражей для украшения интерьера Форма организации совместной деятельности: индивидуальная
27.64kb.
1 стр.
Искусство секса и искусство любви Оправдания для секса
110.16kb.
1 стр.
Международное гуманитарное право. Вводное занятие
61.25kb.
1 стр.
Время занятие тема март 13. 03. 13 Ср. 19. 00-22. 00 1 лекция
43.53kb.
1 стр.
Декоративное садоводство и цветоводство
509.33kb.
3 стр.
Эксперт-курс «искусство греко-римской античности»
15.17kb.
1 стр.
Занятие «Вода путешественница»
65.25kb.
1 стр.
Занятие в учреждении дополнительного образования детей
187.67kb.
1 стр.